Речь сегодня пойдет о великом художнике 20 века Пабло Пикассо.
Гение, который прогремел на весь мир своими изящными и глубокими картинами.
И что не мало важно, его творчество было признано обществом при жизни.
25 октября 1881 в небольшом испанском городе Малага родился Пабло Пикассо.
Интересный факт ,произошел с малышом в родильном доме.
Роды проходили сложно , появившийся мальчик не мог дышать.
Для того, чтобы его легкие раскрылись, врачи вдули в ребенку в нос сигаретный дым.
Так началась жизнь самого юного в мире «курильщика», величайшего художника девятнадцатого века Пабло Пикассо.
Необычный талант начал проявляться у мальчика ещё в раннем детстве,его первое слово было «карандаш», и рисовать он научился прежде, чем говорить.
В то время, согласно старой испанской традиции новорожденный Пикассо получил две фамилии по первым фамилиям своих родителей: отца — Руис и матери — Пикассо.
Полное имя,  которое будущий художник получил при крещении — Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано (Криспиниано)  и Пикассо.
Фамилия Пикассо по матери, под которой художник получил известность, имеет итальянское происхождение.
Прадед матери Пикассо Томмасо переехал в Испанию в начале XIX века из местечка Сори в провинции Генуя.
Сейчас в доме на площади Мерсед, в котором родился Пикассо, находится дом-музей художника, там же располагается фонд, носящий его имя.
Пикассо начал рисовать с детства, первые уроки он получил у отца — учителя рисования Хосе Руиса Бласко, и вскоре сильно в этом преуспел.
Будучи восьмилетним мальчиком, он написал свою первую картину маслом - "Пикадор", с ней он не расставался в течение всей жизни.
Пабло Пикассо был избалованным ребёнком.
Родители души не чаяли в их единственном ребенке.
Он ненавидел школу и часто отказывался туда идти до тех пор, пока отец не разрешал брать ему с собой ручного голубя.
Кроме голубей, Пабло очень нравилось искусство.
Отец Пабло часто брал мальчика в колледж, где он работал учителем рисования.
Пабло мог часами смотреть, как отец рисовал, и изредка даже помогал ему.
Однажды произошел случай, отец Пабло рисовал голубей и ненадолго вышел из комнаты.
Когда он вернулся в комнату, то увидел, что Пабло закончил картину.
Картина мальчика была настолько прекрасна, что отец отдал сыну свою палитру и киста и больше никогда не рисовал сам.
Даже в столь юном возрасте Пабло опередил в мастерстве рисования своего отца.
Позже семья переехала в Барселону, и в 1895 году Пабло пошел в школу изящных искусств Ла-Лонха.
Тогда Пикассо было всего четырнадцать, и он был слишком молод, чтобы учиться в Ла-Лонхе.
Несмотря на это, по настоянию отца, Пабло допустили к сдаче вступительных экзаменов на конкурсной основе.
Пабло успешно прошел конкурс и пошел в школу изящных искусств.
Сначала он подписывался своим именем по отцу Ruiz Blasco, но позже решил писать под фамилией матери — Picasso.
В  1897 года Пикассо уехал в Мадрид, где поступил в Королевскую академию изящных искусств.
В Барселону Пикассо вернулся в июне 1898 года, там он вступил в общество Els Quatre Gats, по названию богемного кафе.
К слову, именно здесь были его дебютные показы картин.
В детстве его мать обязательно читала ему сказки, которые сама выдумывала, используя эмоции от прошедшего дня.
Позже художник признавался, что именно мамины сказки побудили в нем желание творить, используя те же самые эмоции одного дня.
В 1900 году Пикассо со своим хорошим другом, художником Касахемасом уехал в Париж, где в этом же году посетил Всемирную выставку.
Именно там Пабло Пикассо познакомился с творчеством импрессионистов.
Его жизнь в это время была связана со многими трудностями.
Самоубийство Карлоса Касахемаса сильно повлияло на молодого Пикассо.
При этих обстоятельствах в начале 1902 года Пабло начал рисовать в стиле, по которому потом период творчества Пикассо в Барселоне в 1903—1904 годах был назван «голубым».
В работах этого времени ярко выражены темы старости и смерти («Женщина с пучком волос», 1903; Пикассо считал: «кто грустен, тот искренен»); движения людей замедлены, они словно вслушиваются в себя («Любительница абсента», 1901; «Женщина с шиньоном», 1901; «Нищий старик с мальчиком», 1903).
На рисунках мастера преобладают голубые оттенки.
Отображая человеческие страдания, Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток,их бледные, отчасти удлинённые тела на картинах напоминают работы испанского художника Эль Греко.
Произведение переходного периода — от «голубого» к «розовому» — «Девочка на шаре».
В 1904 году Пикассо поселяется в Париже, где находит пристанище в знаменитом монмартрском общежитии для бедных художников Бато-Лавуар.
Начинается так называемый «розовый период», в котором печаль и нищета «голубого периода» сменилась образами из более живого мира театра и цирка.
Художник отдавал предпочтение розово-золотистому и розово-серому тонам, а персонажами стали в основном бродячие артисты — клоуны, танцовщики и акробаты.
Картины этого периода проникнуты духом трагического одиночества обездоленных, романтической жизни странствующих комедиантов («Семья акробата с обезьяной», 1905).
От экспериментов с цветом Пикассо обратился к анализу формы: сознательная деформация и деструкция натуры, односторонняя интерпретация системы Сезанна и увлечение африканской скульптурой приводят его к новому жанру.
Вместе с Жоржем Браком, Пикассо становится родоначальником кубизма — художественного направления, отвергавшего традиции натурализма и изобразительно-познавательную функцию искусства.
Пикассо уделяет внимание превращению форм в геометрические блоки , увеличивает и ломает объёмы, рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в пространстве, которое сам он считает твёрдым телом, неизбежно ограниченным плоскостью картины («Портрет Канвейлера»).
Хотя первоначальная цель кубизма состояла в том, чтобы более убедительно, чем с помощью традиционных приёмов, воспроизвести ощущение пространства, картины Пикассо сводятся к непонятным ребусам.
Чтобы вернуть связь с реальностью, Пикассо и Жорж Брак вводят в свои картины типографский шрифт, элементы «обманок» и грубые материалы.
Начинают преобладать натюрморты, преимущественно с музыкальными инструментами, трубками и коробками из-под табака, нотами, бутылками с вином и т. п.
В композициях появляется «кубистическая тайнопись»: зашифрованные номера телефонов, домов, обрывки имён возлюбленных, названий улиц, кабачков, техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в большие плоскости («Гитара и скрипка», 1913) или передаёт в спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910—1913 («Портрет девушки», 1914).
В так называемый синтетический период появляется стремление к гармонизации колорита и уравновешенным композициями, которые временами вписываются в овал.
Кубистический период Пикассо заканчивается после начала Первой мировой войны, разделившей его с Жоржем Браком.
Хотя в своих значительных произведениях великий художник использует в своих работах некоторые кубистические приёмы вплоть до 1921 («Три музыканта», 1921).
В сентябре 1916 года  Жан Кокто и Эрик Сати уговаривают Пикассо соучаствовать в постановке  «сюрреалистического» балета «Парад» для «Русского балета»  Дягилева.
Пабло Пикассо не на шутку увлекается идеей этого новаторского балета, быстро втягивается в работу, и в содружестве с Сати полностью переделывает и сценарий, и сценографию постановки[14].
Месяцем позднее он уезжает вместе со всей труппой Русских балетов на два месяца в столицу Италии Рим, где сам выполняет сложные декорации, костюмы, знакомится с балетмейстером «Парада» Леонидом Мясиным и многими балетными артистами русской труппы того времени.
Сергей Дягилев сознательно делал ставку на большую провокацию своей постановкой и готовил её всеми доступными ему средствами.
Произошло именно так, как Сергей планировал.
Скандал 18 мая 1917 года, состоявшийся на премьере этого балета в театре Шатле, немало способствовал подъёму популярности Пикассо в широких кругах бомонда.
Парижская публика присутствовавшая вв зале едва не сорвала спектакль криками «Русские боши, долой русских, Сати и Пикассо боши!».
Газета свирепствовала, критики представили «Русский балет» чуть ли не предателями, деморализующими французское население в тылу во период непростой и неудачной войны[15].
Вот одна из показательных  рецензий, вышедших на следующий день после премьеры «Парада».
Автором этой статьи был  не какой-то маргинальный критик, а вполне респектабельный Лео Польдес, владелец «Клуба дю Фобур»….
Дягилев остался чрезвычайно доволен произведённым эффектом на публику.
Тесное сотрудничество Пабло Пикассо с Русскими балетами активно продолжилось и после балета «Парада» (декорации и костюмы для постановки «Треуголки» Мануэля де Фальи, 1919).
Яркие сценические образы и крупные объекты воскрешают в нём интерес к декоративизму и театральности сюжетов.
Во время римской подготовки постановки «Парада» Пабло Пикассо познакомился с русской балериной Ольгой Хохловой, которая стала его первой женой.
12 февраля 1918 года они женятся в русской церкви в Париже.
Свидетелями на их свадьбе были Жан Кокто, Макс Жакоб и Гийом Аполлинер.
У супругов рождается ребенок Пауло (4 февраля 1921 года).
Эйфорическая и консервативная атмосфера послевоенного Парижа, женитьба Пикассо на Ольге Хохловой, успех художника в обществе.
Всё это отчасти объясняет возврат к фигуративности, временный и притом относительный, поскольку Пикассо продолжает писать в то время ярко выраженные кубистические натюрморты («Мандолина и гитара», 1924).
В 1925 году начинается один из самых непростых и нестабильных периодов в жизни Пикассо.
После эпикурейского изящества 1920-х («Танец») Пикассо создаёт атмосферу конвульсий и истерии, ирреальный мир галлюцинаций, что можно объяснить влиянием поэтов-сюрреалистов, проявившимся в некоторых рисунках, написанных в 1935.
Женщины остаются главными жертвами его жестоких бессознательных причуд, возможно, потому что сам Пикассо плохо ладил со своей женой или потому, что простая красота Марии-Терезы Вальтер, вдохновляла его на откровенную чувственность («Зеркало», 1932).
Послевоенное творчество Пикассо можно назвать счастливым.
Он сближается с Франсуазой Жило, с которой познакомился в 1945 году и которая подарит ему двоих детей, дав таким образом темы его многочисленных очаровательных семейных картин.
Вскоре он уезжает из Парижа на юг Франции, там Пабло открывает для себя радость солнца, пляжа, моря.
Произведения, созданные в 1945—1955 годах, очень средиземноморские по духу, характерны своей атмосферой языческой идиллии и возвращением античных настроений, которые находят своё выражение в картинах и рисунках, созданных в конце 1946 года в залах музея Антиб, ставшего впоследствии музеем Пикассо («Радость жизни»).
Осенью 1947 года Пикассо начинает работать на фабрике «Мадура» в Валлорисе; увлечённый проблемами ремесла и ручного труда.
Он сам выполняет множество блюд, декоративных тарелок, антропоморфных кувшинов и статуэток в виде животных («Кентавр», 1958), иногда несколько архаичных по манере, но всегда полных очарования и остроумия.
Особенно важны в тот период времени скульптуры художника («Беременная женщина», 1950).
Некоторые из них («Коза», 1950; «Обезьяна с малышом», 1952) сделаны из случайных материалов ) и относятся к шедеврам техники ассамбляжа.
В 1953 году Франсуаза Жило и Пабло Пикассо неожиданно расходятся.
Это было для художника началом тяжёлого морального кризиса, который эхом отдаётся в замечательной серии рисунков, исполненных между концом 1953 и концом зимы 1954 года.
В них Пикассо по-своему, в озадачивающей и ироничной манере, выразил горечь старости и свой скептицизм по отношению к самой живописи.
В Валлорисе художник начал в 1954 году серию портретных изображений «Сильветт»[17][18].
В 1954 году Пабло знакомится со своей будущей супругой Жаклин.
Она будет любить и заботиться о нем до конца его жизни.
В 1956 году на широкие французские экраны вышла документальная лента о великом художнике называвшаяся «Таинство Пикассо».
Произведения последних пятнадцати лет  художника очень разнообразны и неравны по качеству.
Можно, однако, выделить испанский источник вдохновения и элементы тавромахии (Пикассо был страстным поклонником корриды), выраженные в рисунках и акварелях в духе Гойи (1959—1968).
Чувством неудовлетворения собственным творчеством отмечена серия интерпретаций и вариаций на темы знаменитых картин «Девушки на берегу Сены.
По Курбе» (1950); «Алжирские женщины.
По Делакруа» (1955); «Менины.
По Веласкесу» (1957); «Завтрак на траве.
По Мане» (1960).
Никто из критиков не смог дать объяснения этим дерзким композициям.
Даже если они находили своё завершение в действительно превосходных картинах.
Художник умер в возрасте 92 лет, в городе Мужене во Франции, 8 апреля 1973 года.
Он похоронен около своего замка Вовенарг.
Пикассо оставил после себя более 80 тысяч картин (по другим данным около 20 тысяч).
О смерти сам Пикассо говорил так: "Я все время думаю о Смерти, она всего лишь женщина, которая никогда не покинет меня".
Пабло Пикассо оказал неоценимо громадное влияние на художников многих стран мира, став крупнейшим художником XX века.
Обратимся к началу творческого пути юного гения, ведь уже тогда он подавал большие надежды.
Пабло с детства был крайне вспыльчив, и его всегда наказывали.
Характер художника с годами становился все эксцентричнее, но его талант не пропадал, а приобретал все ярче.
Начинал Пабло с рисования дома, но потом перешел на более ответственный уровень.
Первую свою серьезную работу Пабло Пикассо получил, заключив свой первый контракт с продавцом картин Pere Menach из Парижа.
Это приносило ему 150 франков (на современные деньги примерно 750 долларов США).
Пабло Пикассо можно по праву назвать одним из самых удивительных и неподражаемых художников когда либо существовавших.
Он всегда был разным, и, что удивительно, всегда – шокирующим.
Самые знаменитые картины Пабло Пикассо – это всегда необыкновенный тандем традиционной живописи и оригинального искусства.
Он настолько сильно отдавался своим великим произведениям, что зачастую не замечал своего стилистического непостоянства.
Да и не это самое главное в произведениях великого испанского живописца.
Пабло Пикассо умело сочетал на холсте разные необыкновенные материалы.
Например, металл, камень, гипс, уголь, карандаш или масляные краски.
Великолепный художник не останавливался ни перед чем,возможно, поэтому картины Пикассо так удивляют своей эмоциональностью и смелостью.
Среди большого многообразия его работ особенно ярко выделяются композиции с необычными образами женщин.
Эти картины шокируют многообразием причуд и неординарных фантазий.
Вспомните «Девушку перед зеркалом» (1932).
Использованные линии и цвета ещё раз доказывают известный факт, что Пабло Пикассо очень не любил женщин.
Взгляните на картины Пикассо - женщины на них поражают несуразностью образов и форм.
Особенной нелепостью отличалась героиня картины «Утренняя серенада» (1942).
Здесь Пабло Пикассо постарался, как никогда.
Рассеченные и раздутые тела, раздробленный профиль, странные шляпы – бурлескные формы были любимыми для знаменитого художника.
Автор часто вдохновлялся яркими сюжетами, пугающими своей силой, но в то же время невероятно притягательными; и по сей день эти сюжеты не сходят с вершин художественного мира.
Всё просто,произведения художника заставляли публику переживать различные и яркие чувства.
Действительно, что же еще нужно художнику, искренне передающему на холсте свою натуральную, подчас шокирующую, жизненную сущность?
Поговорим о знаменитом портрете,на котором он нарисовал свою первую жену Ольгу.
Эту картину художник написал в 1917 году.
Тогда художник вернулся к классической технике портрета.
На картине изображена жена Пабло Пикассо Ольга.
В то время художник чувствовал себя умиротворенно, ведь совсем недавно он стал отцом.
Ольга сидит в кресле расслаблено, ее взгляд сосредоточен, во взгляде прослеживается тоска, даже некое подчинение.
Всей своей позой и мимикой она показывает нам, что очень утомилась сидеть в одном положении.
Выгодно оттеняет и фигуру, и цвет кожи темный фон.
Современники отмечали, что как женщина Ольга не была привлекательна.
От картины также веет усталостью и трагизмом, свободная поза и сжатые губы рассказывают о напряженности женщины.
Одежда женщины передает моду того времени и демонстрирует красоту парижского стиля, именно в этот период супружеская пара проживали в Париже.
Несмотря на критику окружающих, Хохлова навсегда осталась музой Пикассо.
Художник изобразил супругу красивой и современной женщиной своего времени.
Он всегда говорил, что отображает реальность именно так, как чувствует в данный момент.
Видимо в период семейной жизни ощущение реальности великого мастера было похоже на мироощущение обычного человека,именно в этом так часто и упрекали художника.
После Пикассо осталось огромное наследие его великого творчества.
Множество полотен, зарисовок,скульптур - всё это выставленово множественных музеях по всему миру.
О них мы и поговори и первый из них это музей на родине художника.
Музей художника был построен в Испании, в столице басков.
В 1960 году друг Пикассо Хайме Сабартес и Гуаль принимает решение пожертвовать коллекцию работ Пикассо и организовать музей в Барселона.
9 мая 1963 года в готическом дворце Беренгер де Агилар (Berenguer de Aguilar) открылся музей под названием «Коллекция Сабартеса».
В настоящее время музей Пикассо (Museu Picasso) занимает пять особняков на улице Монткада-Мека, Беренгер-д’Агилар, Маури, Финестрес и Баро-де-Кастельет.
В основе музея, открывшегося в 1968 году, была коллекция друга Пикассо Хайме Сабартеса.
После смерти Сабартеса, Пикассо в знак своей любви к городу в 1970 году отдал в музей около 2450 работ (полотен, гравюр и рисунков), 141 работу из керамики.
Более 3500 работ Пикассо составляют постоянную коллекцию музея.
Еще один музей был открыт на второй родине великого художника.
В 1985 году музей Пикассо был открыт и в Париже; сюда вошли работы — более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков, эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо.
Новые дары наследников обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев.
В 2003 году Музей Пикассо был открыт в его родном городе Малаге.
Пабло Пикассо - величайший художник двадцатого столетия, который оставил после себя огромное количество произведений.
В наше время работы Пикассо оценивают очень высоко.
Это один из самых дорогих художников в мире.
Его картины проданы на сумму около 200 миллионов долларов.
